Zwölf Albumpositionen. Eine Zugabe. Und für viele Stücke mehr als eine überzeugende Fassung. Die eigentlichen Aufnahmen für Encounters, das neue Jazzalbum von Friday Morning Music, sind inzwischen abgeschlossen. Begonnen hat alles mit einer offenen Tür, einem Piano und einem lyrischen Tenorsaxofon. Nach und nach kamen Kontrabass, Schlagzeug, Stimmen, Gitarre, Trompete, Posaune und weitere Saxofone hinzu. Aus einer vorsichtigen ersten Begegnung ist eine vollständige Band geworden. Doch damit ist das Album noch nicht fertig. Jetzt beginnt eine Phase, die weniger sichtbar, aber mindestens ebenso wichtig ist: hören, vergleichen und wieder hören.

Einige Stücke existieren in mehreren starken Varianten. Manchmal ist eine Fassung musikalisch eindrucksvoller, eine andere fügt sich besser in den Gesamtbogen ein. Ein Solo kann isoliert begeistern und trotzdem im Album zu viel Raum beanspruchen. Ein ruhiger Take kann zunächst unscheinbarer wirken – und gerade deshalb die perfekte Verbindung zum nächsten Titel schaffen. Deshalb entscheidet nicht allein der beste einzelne Song. Entscheidend ist, ob das Album als zusammenhängende Begegnung funktioniert.

Auch das Finale hat uns länger beschäftigt. Es sollte groß wirken, ohne zum Feel-good-Orchester oder Gospelchor zu werden. Die Stimmen sollten zur Geschichte gehören, aber nicht die inzwischen eingespielte Jazzband verdrängen. Inzwischen gibt es zwei ernsthafte Kandidaten für diesen Abschluss. Und dann ist da noch die Zugabe: Zero Goodbye. Schnell, frech, verspielt und mit der Botschaft, dass ein Abschied vielleicht nur eine weitere offene Tür ist.

In den kommenden Tagen läuft das Album deshalb immer wieder vollständig durch. Noch werden Varianten ausgetauscht, Übergänge geprüft und Entscheidungen bewusst offengehalten. Die Musik ist aufgenommen. Jetzt hören wir, was daraus ein Album macht.

Während dieser Hörphase entstand noch ein kleiner, bewusst roher Moment: Still Listening – Studio Impro. Das Mico war einfach an. Den kurzen Mitschnitt gibt es hier.

 

Die Band öffnet den Raum

Aus einer vorsichtigen Unterhaltung zwischen Piano und Saxofon ist nach und nach eine ganze Band entstanden. Neue Instrumente kamen hinzu, Stimmen begegneten sich, Musiker hörten einander zu – und aus einzelnen Gesprächen entwickelte sich ein gemeinsamer Klang. In Every Direction zeigt diesen Klang erstmals in einer größeren Besetzung: Saxofone, Trompete, Posaune, Piano, Gitarre, Kontrabass und Schlagzeug greifen ein gemeinsames Motiv auf, geben es weiter und verändern es. Mal antworten sie einander, mal unterbrechen sie sich, mal spielen mehrere Gedanken gleichzeitig. Selbst der Schlagzeuger, der sich bisher meist zurückhaltend im Hintergrund bewegte, meldet sich mit einem kurzen eigenen Beitrag. Die Musik bewegt sich dabei tatsächlich in viele Richtungen – und bleibt trotzdem zusammen.

Eine Preview, kein endgültiger Album-Take

Diese Veröffentlichung ist ein besonderer Blick in die laufende Produktion unseres neuen Jazzalbums Encounters. Die hier veröffentlichte Version besitzt eine außergewöhnlich geschlossene, warme und unmittelbar zugängliche Ensemblewirkung. Sie klingt bereits wie eine Band, die gemeinsam auf der Bühne steht und den neu gewonnenen Raum genießt. Gerade diese musikalische Rundheit macht sie zu einer starken eigenständigen Fassung. Für das Album experimentieren wir gleichzeitig mit einer offeneren und kantigeren Interpretation: mehr Reibung, größere Freiräume und eine weibliche Stimme, die nicht als klassische Sängerin, sondern als improvisierendes Instrument in das Ensemble eintritt. Deshalb ist diese Preview kein verworfener Entwurf und auch keine bloße Zwischenstufe. Sie ist eine eigene Perspektive auf das Stück: der Moment, in dem die Band zum ersten Mal gemeinsam losgelassen wird.

Mensch und KI im musikalischen Dialog

Auch In Every Direction entsteht aus der Zusammenarbeit zwischen Mensch und künstlicher Intelligenz. Die KI erzeugt musikalische Möglichkeiten – manchmal überraschend, manchmal zu glatt, manchmal ganz anders als vorgesehen. Der menschliche Anteil liegt im Konzept, in der musikalischen Regie, im aufmerksamen Hören und vor allem in der Entscheidung, welche Version eine glaubwürdige Geschichte erzählt. Die musikalische Identität entsteht dabei nicht in einem einzelnen Prompt. Sie entwickelt sich durch Ausprobieren, Vergleichen und Verwerfen – und durch die bewusste Entscheidung, ungewöhnlich starke Varianten auch außerhalb des Albums hörbar zu machen.

In Every Direction – Ensemble Preview ist eine Momentaufnahme dieses Prozesses: Die Band ist noch nicht am Ziel. Aber sie hat begonnen, sich frei zu bewegen.

Nicht Suno erinnert sich an die Band. Wir tun es.

Bei der Arbeit an unserem neuen Jazzalbum entstand irgendwann ein überraschender Eindruck: Die Band klang zunehmend eingespielt. Piano und Saxofon reagierten aufeinander, als hätten sie bereits mehrere gemeinsame Abende hinter sich. Der Bass wusste scheinbar immer besser, wann er tragen und wann er selbst etwas erzählen sollte. Das zunächst sehr zurückhaltende Schlagzeug übernahm nach und nach mehr Verantwortung. Später kamen eine Sängerin und ein Sänger-Gitarrist hinzu. Auch sie wirkten nicht wie beliebig ergänzte Stimmen, sondern wie neue Menschen, die von einer bereits bestehenden Band aufgenommen wurden. Bei Same Light, dem sechsten Titel unserer aktuellen Albumproduktion, war dieses Gefühl besonders stark. Motive wurden von Piano, Saxofon und Gitarre aufgegriffen und weitergegeben. Die Musiker schienen einander zuzuhören. Fast hätte man glauben können, die Band habe aus den vorherigen Songs gelernt. Doch technisch ist genau das nicht passiert.

Suno kennt die Vorgeschichte nicht

In unserem aktuellen Workflow erzeugt Suno jeden neuen Titel unabhängig. Wir verwenden keine durchgehende Audio-Referenz, aus der das System die musikalische Entwicklung der Band ableiten könnte. Es weiß nicht, wie A Door Left Open klingt. Es erinnert sich nicht an die Gespräche aus Between the Lines. Es kennt weder die Sängerin aus Just Until Next Time noch den Sänger-Gitarristen aus From Where I Stand. Auch ein Prompt besitzt selbstverständlich kein Gedächtnis. Er ist zunächst nur eine neue Beschreibung dessen, was entstehen soll. Der Eindruck einer wiederkehrenden, sich entwickelnden Band muss also woanders herkommen.

Wir bewahren die Erinnerung

Zu Beginn des Albums öffnet sich mit A Door Left Open zunächst nur ein kleiner musikalischer Raum. Piano und lyrisches Tenorsaxofon begegnen sich vorsichtig. In Between the Lines erhält der Bass mehr Bedeutung. Bei Just Until Next Time tritt erstmals eine weibliche Stimme hinzu – nicht als dominante Sängerin, sondern als weitere Musikerin. Mit In Step beziehungsweise Four in the Room hören wir erstmals ein vollständiges Quartett, das wirklich gemeinsam swingt. In From Where I Stand kommt ein männlicher Sänger-Gitarrist hinzu und bringt eine zweite Perspektive mit. Bei Same Light begegnen sich schließlich beide Stimmen. Diese Entwicklung kennt Suno nicht. Aber wir kennen sie. Wir erinnern uns daran, wie das Piano bisher gesprochen hat. Wir wissen, dass das Saxofon nicht einfach möglichst viele Töne spielen soll, sondern zuhören und antworten muss. Wir achten darauf, dass der Bass nicht zur austauschbaren Grundlage wird und dass das Schlagzeug seine Rolle langsam entwickelt. Wir erkennen, wann eine Stimme zu glatt klingt, wann ein zusätzliches Instrument nicht in die Geschichte gehört oder wann ein musikalisch schöner Take trotzdem nicht zu dieser Band passt. Das Gedächtnis des Albums liegt damit nicht im Musikmodell. Es liegt in unserem gemeinsamen Produktionsprozess.

Wiedererkennbarkeit entsteht nicht durch Wiederholung

Dabei versuchen wir nicht, zwölfmal denselben Song zu produzieren. Eine glaubwürdige Band bleibt nicht dadurch erkennbar, dass sie immer gleich klingt. Im Gegenteil: Unsere Besetzung wächst. Die Musik bewegt sich von einer freien, intimen Jazzballade über Medium Swing und Vocal Jazz bis zur Bossa Nova. Später werden weitere Bläser hinzukommen, das Ensemble wird größer und der Groove kräftiger werden. Die Wiedererkennbarkeit liegt deshalb nicht in einer starren Klangschablone. Sie entsteht durch Beziehungen und Rollen. Das Piano öffnet Räume und stellt Fragen. Das Tenorsaxofon bleibt eine lyrische, erzählende Stimme. Der Bass darf zunehmend kommentieren. Das Schlagzeug begleitet zunächst vorsichtig und gestaltet später den Verlauf aktiv mit. Neue Stimmen und Instrumente betreten nicht einfach einen fertigen Song, sondern müssen von der bestehenden Band musikalisch aufgenommen werden. Diese Rollen formulieren wir in den Prompts immer wieder neu. Anschließend hören wir mehrere Varianten, vergleichen sie mit den bisherigen Titeln und entscheiden, welche Interpretation glaubwürdig zur Entwicklung passt.

Der Mensch als Creative Director

Genau hier liegt für mich eine wichtige Erkenntnis für professionelle KI-Musikproduktion. Die entscheidende Arbeit besteht nicht darin, einmal den perfekten Prompt zu schreiben und anschließend auf „Generate“ zu drücken. Ein guter Prompt kann eine Richtung vorgeben. Er kann Instrumente, Tempo, Klangfarben, Rollen und dramaturgische Ideen beschreiben. Aber er kann nicht allein entscheiden, welche Fassung Teil einer größeren Geschichte werden soll. Dafür braucht es Erinnerung, Kontext und Urteil. Wir hören nicht nur, ob ein Song schön ist. Wir fragen: Passt diese Stimme zu der Person, die wir bereits kennengelernt haben? Hat ein Instrument eine eigene Rolle oder ist es nur Dekoration? Entwickelt sich die Band weiter? Ist eine überraschende Abweichung ein Fehler – oder eröffnet sie eine bessere Geschichte? Und vor allem: Was geschieht, wenn wir die bisherigen Titel unmittelbar nacheinander hören? Damit verändert sich auch die Rolle des Menschen. Er muss nicht jede Note selbst festlegen, um künstlerische Verantwortung zu übernehmen. Seine Arbeit liegt in der Creative Direction, im Casting, in der Dramaturgie, in der Auswahl und in der bewussten Entscheidung gegen viele ebenfalls schöne Möglichkeiten.

Die KI als Variationspartner

Suno ist in diesem Prozess weder bloß ein ausführendes Werkzeug noch ein autonomer Komponist, der uns ein fertiges Album übergibt. Das System erzeugt Varianten. Es interpretiert unsere Vorgaben, manchmal erstaunlich genau, manchmal eigensinnig. Es fügt unerwünschte Backgroundstimmen hinzu, lässt Instrumente verschwinden, verlängert Stücke oder versteht einen Ausschluss als unverbindliche Empfehlung. Gleichzeitig entstehen Motive, Interaktionen und Übergänge, die wir selbst nicht vorhergesehen haben. Genau daraus entwickelt sich die kreative Zusammenarbeit. Wir geben eine Geschichte und musikalische Leitplanken vor. Suno antwortet mit Möglichkeiten. Wir hören, diskutieren, korrigieren und wählen aus. Die nächste Produktion beginnt nicht einfach mit einem neuen Prompt, sondern mit dem, was wir aus der vorherigen Begegnung gelernt haben. Die KI erinnert sich dabei nicht. Wir schon.

Eine neue Form musikalischer Kontinuität

Vielleicht ist das eine der interessantesten Besonderheiten dieser Produktionsweise: Eine virtuelle Band kann eine erkennbare Identität entwickeln, obwohl das erzeugende System ihre gemeinsame Vergangenheit nicht kennt. Diese Identität wird nicht automatisch generiert. Sie wird kuratiert. Sie entsteht durch konsequente Entscheidungen über viele Takes hinweg, durch wiederkehrende musikalische Beziehungen und durch die Bereitschaft, nicht einfach den spektakulärsten Song zu wählen, sondern denjenigen, der die gemeinsame Geschichte am glaubwürdigsten weitererzählt. Am Ende sollen die Hörerinnen und Hörer nicht darüber nachdenken müssen, welche Promptversion oder welche Einstellung zu einem bestimmten Saxofonsolo geführt hat. Sie sollen das Gefühl haben, einer Band zuzuhören, die sich begegnet, wächst, neue Mitglieder aufnimmt und langsam eine gemeinsame Sprache entwickelt.

Suno erinnert sich nicht an die Band. Aber wenn wir unsere Arbeit gut machen, werden sich die Hörer an sie erinnern. Damit habe wir einen weiteren Schritt der KI-generierten Musik zu einem eigenständigen Genre erreicht.

Just Until Next Time – First Encounter

Eine erste Begegnung mit dem kommenden Album „Encounters“

Manche Begegnungen halten sich nicht an den richtigen Zeitpunkt. Sie kommen früher als erwartet, bringen etwas in Bewegung – und hinterlassen das Gefühl, dass da noch mehr entstehen könnte. Während der Arbeit an unserem zweiten Album Encounters ist genau so ein Moment entstanden: Das Album beginnt ganz bewusst klein. Zunächst begegnen sich Piano und Saxofon. Dann kommt der Bass hinzu. Aus vorsichtigen musikalischen Antworten entwickelt sich langsam ein gemeinsames Gespräch. Erst im dritten Titel betritt eine weibliche Stimme den Raum. Sie stellt sich nicht mit einem großen Refrain vor. Sie sagt einfach: “Hello.” Die Band hört zu. Saxofon und Piano antworten, der Bass mischt sich ein, und aus einzelnen vorsichtigen Beiträgen entsteht für einen Moment etwas Gemeinsames. Doch die Sängerin bleibt noch nicht. Gegen Ende verabschiedet sie sich mit den Worten: “Not goodbye. Just until next time.”

Eine Begegnung, zwei Versionen

Bei der Produktion entstand neben der ruhigeren Albumfassung eine zweite, deutlich schnellere Variante. Für die geplante Dramaturgie des Albums war sie eigentlich etwas zu ungeduldig. Die Musiker wirken darin wacher, fordernder und fast so, als wollten sie sich gegenseitig zeigen, was sie können. Als Teil der langsam wachsenden Albumgeschichte war uns das zunächst zu viel. Als eigenständiger Song funktioniert diese Fassung jedoch ausgesprochen gut. Sie swingt, entwickelt Energie und macht neugierig auf die Musik, die noch kommen wird. Deshalb haben wir entschieden, sie nicht auszusortieren, sondern ihr eine eigene Rolle zu geben:

Just Until Next Time (First Encounter) ist der erste musikalische Ausblick auf Encounters.

Warum nicht nur eine Version?

Bei einem klassischen Album wird am Ende normalerweise eine Fassung ausgewählt. Die anderen Takes verschwinden im Archiv oder gelten als Vorstufen auf dem Weg zum fertigen Song. Bei Friday Morning Music möchten wir diese Logik zumindest hinterfragen. Gerade bei Jazz kann dieselbe musikalische Idee in verschiedenen Begegnungen unterschiedlich verlaufen. Einmal hören die Musiker vorsichtig aufeinander. Ein anderes Mal entsteht mehr Spannung. Manchmal findet der Bass einen eigenen Gedanken, das Schlagzeug verändert den gemeinsamen Puls oder ein einzelner Ton öffnet plötzlich eine neue Richtung.

Diese Varianten sind nicht zwangsläufig richtig oder falsch. Sie können unterschiedliche Wahrheiten derselben Begegnung erzählen.

Die schnellere First Encounter-Version wird deshalb nicht identisch auf dem Album erscheinen. Dort bekommt der Song eine ruhigere Fassung, die sich organisch aus den vorherigen Titeln entwickelt. Wer später das vollständige Album hört, wird derselben Sängerin und denselben Musikern erneut begegnen – aber in einem anderen Zusammenhang.

Das ist erst der Anfang: wieder experimentieren wir das Zusammenspiel zwischen KI und Mensch

Encounters erzählt, wie aus einzelnen musikalischen Begegnungen nach und nach eine Band entsteht. Instrumente und Stimmen kommen hinzu, hören einander zu, reagieren, geraten gelegentlich aneinander vorbei und lernen, gemeinsam etwas Neues zu entwickeln. Dabei entsteht das Album selbst in einer Zusammenarbeit zwischen Mensch und KI. Ideen werden in unserem virtuellen Musikstudio diskutiert, als Prompts übersetzt, mit Suno produziert, gehört, verworfen und weiterentwickelt. Nicht die perfekte Anweisung steht im Mittelpunkt, sondern das gemeinsame Entdecken dessen, was aus einer Idee werden kann.

Just Until Next Time (First Encounter) ist die erste öffentliche Spur dieser Reise. Noch ist die Tür nur einen Spalt geöffnet. Aber dahinter wird bereits Musik gemacht.

Not goodbye. Just until next time.

Behind the Music – Jazz-Casting, Test 6

Wie präzise muss Musik sein, damit sie frei klingen darf?

In unserem sechsten Test für das nächste Friday-Morning-Music-Projekt ging es um eine der lebendigsten Formen musikalischer Kommunikation im Jazz: Trading Fours. Ein Instrument improvisiert vier Takte, das Schlagzeug antwortet vier Takte. Danach übernimmt das nächste Instrument. Zumindest lautet so die klassische Idee.

Unsere Frage war deshalb diesmal sehr konkret:

Kann Suno nicht nur überzeugenden Hard Bop erzeugen, sondern auch ein erkennbares, gleichberechtigtes Gespräch zwischen Soloinstrumenten und Schlagzeug gestalten?

Die kurze Antwort lautet: musikalisch ja – mathematisch nur bedingt.

Der Versuchsaufbau

Getestet wurde erneut mit Suno v5.5. Die Parameter blieben gegenüber den vorherigen Versuchen unverändert:

• Weirdness: 50 Prozent
• Style Influence: 50 Prozent
• zwei Generierungsläufe
• insgesamt vier Varianten
• Instrumentalstück ohne Gesang
• angestrebte Dauer: ungefähr drei Minuten

Der Stil-Prompt verlangte schnellen Hard Bop im treibenden 4/4-Takt mit Tenorsaxofon, Trompete, Flügel, Kontrabass und Jazz-Schlagzeug. Walking Bass und Ride Cymbal sollten das rhythmische Fundament bilden. Nach einem gemeinsamen Hauptthema waren getrennte Soli für Saxofon, Trompete und Piano vorgesehen. Anschließend sollte eine klar erkennbare Trading-Fours-Passage folgen: jeweils vier Takte Instrument, beantwortet von vier Takten Schlagzeug.

Zum Abschluss sollte das Hauptthema zurückkehren und die gesamte Band gemeinsam mit einem klaren Schlussakkord enden – ausdrücklich ohne Fade-out.

Was Suno sehr zuverlässig verstanden hat

Die stilistische Beschreibung setzte Suno in allen vier Varianten bemerkenswert gut um. Der Hard-Bop-Charakter war deutlich hörbar. Walking Bass und Ride Cymbal blieben stabil, die Themen wurden aufgenommen und weiterentwickelt, und die einzelnen Soloinstrumente ließen sich gut voneinander unterscheiden.

Auch der gewünschte Schluss funktionierte überwiegend. Drei Fassungen endeten erkennbar und musikalisch geschlossen. Nur eine Variante wirkte, als sei das Stück nach ungefähr drei Minuten beendet worden, obwohl die Band mit ihrem Gedanken noch nicht fertig war.

Bei den Trading Fours wurde Suno dagegen erneut kreativ. Die Wechsel zwischen Instrumenten und Schlagzeug waren grundsätzlich erkennbar und die musikalischen Blöcke ungefähr gleich lang. Eine verlässliche Einhaltung exakt abgezählter Vier-Takt-Passagen ließ sich jedoch nicht feststellen.

Suno verstand also sehr gut, was die Musiker miteinander tun sollten. Weniger sicher war, ob sie dabei tatsächlich bis vier zählten.

Die vier Varianten

Variante	Dauer	Charakter	Stärken	Schwächen
V1	4:10	klassischer, schneller Hard Bop	Konsequente Genre-Sprache, alle Instrumente nehmen das schnelle Spiel auf, viel Raum für Entwicklung	Stellenweise hektischer; die besondere Länge entfernt sich deutlich von der Vorgabe
V2	3:32	virtuose Leistungsschau	Spektakulärstes Einzelspiel des Tests, enorme Bandbreite der Bläser, technisch auf einem Niveau sehr guter Live-Musiker	Hauptthema hinter verspielten Variationen teilweise verborgen; Schlagzeug bis auf ein kleines Finale stark im Hintergrund
V3	3:00	swingender Ensemble-Dialog	Gleichwertige Soloinstrumente, wiederkehrendes Hauptthema, klare Instrumentensprache, hohes Tempo ohne Hektik, vollständiger Schluss	Trading Fours musikalisch plausibel, aber formal nicht exakt nachweisbar
V4	3:00	virtuoser Wettstreit	Ausgeprägte Soli, hohe technische Energie, swingender als V1 und V2	Eher Gegeneinander als Gespräch; musikalisch abgebrochenes Ende; unerwünschte Do-Wop-Backgrounds trotz Instrumentalvorgabe

Der Favorit: V3

V3 ist nicht die spektakulärste Fassung. Genau deshalb ist sie die stärkste.

Alle Soloinstrumente wirken gleichwertig. Das Hauptthema taucht immer wieder als gemeinsamer Bezugspunkt auf. Die Instrumentensprache ist so klar, dass das schnelle Tempo nie in Unruhe kippt. Die Musiker demonstrieren nicht nur, was sie einzeln können – sie hören einander zu.

Hat Suno den Test bestanden?

Musikalisch: ja. Formal: teilweise.

Suno kann glaubwürdigen Hard Bop erzeugen. Es kann Motive wiederaufnehmen, Solisten unterscheidbar gestalten, eine schnelle Band transparent klingen lassen und kurze instrumentale Dialoge entwickeln. Auch das Schlagzeug kann als antwortender Musiker erscheinen und nicht nur als rhythmischer Unterbau.

Was weiterhin nicht zuverlässig funktioniert, ist die präzise formale Kontrolle durch Textanweisungen. „Vier Takte Instrument, vier Takte Schlagzeug“ wird eher als musikalische Idee verstanden denn als verbindliche Partitur.

Das ist keine unwichtige Einschränkung. Für einen exakt geplanten Ablauf müssten wir vermutlich mit einer musikalischen Vorlage, einem vorbereiteten Loop oder einer nachträglichen Bearbeitung arbeiten. Für eine lebendige Studio-Session kann diese Freiheit dagegen produktiv sein.

Denn auch diesmal gilt:

Suno hält sich nicht immer exakt an die Besetzung und die Partitur. Aber manchmal entsteht gerade dort Musik, wo sich die virtuellen Musiker Freiheiten nehmen.

Erkenntnis für den späteren Workflow

Für den neuen Jazz-Workflow sollten wir zwei Ebenen unterscheiden:

1. Musikalische Leitplanken: Genre, Instrumentierung, Stimmung, Motiv, Rollen der Musiker und Dramaturgie kann Suno bereits überzeugend umsetzen.
2. Formale Präzision: Exakte Taktzahlen, streng geregelte Übergaben und sekundengenaue Formverläufe dürfen wir nicht allein über Text absichern.

Der zukünftige Jazz-Spezialist sollte deshalb nicht versuchen, jeden Takt vollständig zu kontrollieren. Er sollte zunächst ein starkes gemeinsames Thema, klar unterscheidbare Rollen und die gewünschte Art des Zusammenspiels definieren. Präzision kann dort ergänzt werden, wo sie wirklich notwendig ist.

Die vielleicht wichtigste Erkenntnis dieses Tests lautet jedoch:

Hohes Können wird musikalisch erst dann interessant, wenn es nicht wichtiger wird als das Zusammenspiel